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Traduzione italiana di consultazione (non verificata come integrale)

L’opera di Tagliazucchi non può essere nettamente circoscritta né definita. Al massimo si può tentare di avvicinarsi alla sua scultura attraverso un insieme di contrasti e considerando forze e tecniche che sembrano opporsi.

Ciò che colpisce per primo lo sguardo e suscita interesse è il sottile gioco tra una ricerca di purezza e semplicità e la ferma volontà di rompere con un trattamento troppo accademico e «armonioso» della materia.

La purezza essenziale dello stile di Tagliazucchi risiede sia nelle forme spoglie che impiega, sia nell’estrema cura che dedica al marmo, il suo materiale privilegiato, spesso scelto bianco e sottoposto a una lunga lucidatura fino a diventare perfettamente liscio e traslucido sotto l’effetto della luce.

Liscia al tatto, neutra nel colore e compatta nella forma, questa scultura non è tuttavia né muta né insignificante. Non c’è monotonia e non c’è silenzio della materia.

Pur restando discreto e misurato, Tagliazucchi sa far parlare la pietra e metterla in movimento, senza mai limitare l’opera a se stessa ma integrandola sempre nel suo ambiente.

Non acquistano forse «Jeu d’enfants» e «Le Ménestrel» il loro pieno significato nello spazio in cui si dispiegano?

L’armonia lineare delle sue opere è sempre ravvivata, animata e resa dinamica da una rottura che forma un angolo — come in «La Maternité» —, da un’incisione o da un colpo di scalpello — come in «Le Signe grec» e «Le Joueur de rugby» — che interrompe il silenzio di concezioni altrimenti molto uniformi.

In Tagliazucchi la morbidezza non conduce mai all’informe e la serenità della scultura non è mai segno di una facile compiacenza.

Al contrario, nonostante la delicatezza del suo rapporto con la materia, egli sa darle vita e movimento intensi. Sa anche creare una scultura fortemente sessuata che, pur rimanendo dolce e calma, è animata da un ritmo profondo e marcato — «La Danseuse».

I contrasti che attraversano questo insieme di opere riflettono un universo interiore in pieno fermento e un intenso desiderio di comunicazione. Senza essere propriamente figurativa, la sua scultura non è neppure puramente astratta.

Egli sfugge tuttavia a ogni volontà di diffondere una concezione meramente «estetica» dell’arte e cerca un livello di significato meno immediato.

In definitiva, l’arte di Tagliazucchi non può essere definita da un punto di vista puramente intellettuale. Per essere percepita in tutta la sua ricchezza richiede un coinvolgimento totale, insieme cerebrale e sensibile.

Bernadette BoustanyConservatrice, Musée de Saint-Maur — 1984

Testo originale francese — trascrizione dal documento fornito

Traduzione italiana di consultazione (non verificata come integrale)

Al di fuori delle mode ma sempre curioso delle conquiste del nostro tempo, Roberto Tagliazucchi rivendica per l’arte grandi ambizioni che uniscono espressione e comunicazione.

«Cerco di evitare il carino.» Roberto usa spesso questa parola per sottolinearne l’accezione negativa, legata all’inessenziale e al superficiale.

Nei suoi dipinti come nelle sue sculture non è raro che un elemento perturbatore dislochi l’eleganza naturale che questo «signore» sa tradurre attraverso la linea o il volume.

Non stupitevi dunque di quei colpi di scalpello che sembrano irritare la caduta voluttuosa del marmo bianco accarezzato dalla luce: Roberto non vuole «solleticare i sensi» né lasciare troppo spazio all’«estetica».

La taglia diretta — togliere per rivelare — offre allo scultore la possibilità di scoprire con le mani ciò che il suo occhio aveva già incontrato, «come se, in un blocco o in un altro, ritrovassi una delle mie sculture prima ancora di averla lavorata».

L’occhio è lo strumento privilegiato di questo incontro: «alcuni blocchi non mi dicono nulla, mentre altri mi attirano irresistibilmente».

Roberto parla allora di comunione con una materia che lo affascinava fin dall’infanzia a Carrara: «Quello che so è che bisogna amare la materia, altrimenti ti tradisce.»

L’arte consiste dunque nel domare la massa grezza fino alla lucidatura finale senza sottrarle la presenza della materia viva.

Parafrasando un celebre pittore, Roberto una volta esclamò: «Nella pittura cerco; nella scultura trovo.»

La pittura, tuttavia, richiede uno sforzo incessante, soprattutto se si rifiutano le seduzioni del “carino” e non si considera obbligatorio compiacere l’occhio dello spettatore.

Roberto non lavora con una cartella colori sulle ginocchia e un manuale di storia dell’arte in mano. Le sue decisioni, pur non essendo irrazionali, approfondiscono continuamente il confronto con la superficie bianca senza offrirle certezze preventive.

Ecco: lo spazio si è aperto, sempre verso l’alto. Se le linee cominciano da qualche parte, non hanno terreno; non sono né alberi né rami.

Forse è proprio questo spazio aperto ma ancorato che il pittore cerca, questi effetti di profondità continuamente ricondotti alla superficie da depositi di materia.

Per lui dipingere non significa semplicemente stendere colore né disegnare con il colore. Dipingere è godere del colore nell’istante, perché ogni nuova pennellata crea immediatamente nuovi rapporti tra un colore e l’altro e tra l’insieme e chi lo organizza.

Thierry ChabanneParigi — maggio 1984

Testo originale francese — trascrizione dal documento fornito

L’opera di Tagliazucchi attrae, risveglia, scuote e rinnova. Umile e misurata, la sua arte — pittura o scultura — non è né monotona né impersonale.

La semplicità delle sue concezioni, un certo classicismo della linea e la purezza dell’esecuzione sono le garanzie più sicure di una comunicazione autentica e profonda tra l’artista e il suo pubblico.

Ciò che i visitatori hanno visto al Musée d’Art Moderne de Saint-Maur durante la mostra a lui dedicata dimostra la sua volontà di creare un’arte personale e contemporanea, ricca insieme di rigore e indipendenza.

Un’arte per tutti? Certamente. Ma non è un’arte ordinaria. La qualità tecnica del suo lavoro, la ricchezza dell’ispirazione e la sua profonda umanità assicurano a Tagliazucchi un posto importante tra gli artisti contemporanei.

Laurent ChemtobCritico d’arte, Villages — 1984

Questo cognome — già conosciuto anche in luoghi lontani grazie alla sorprendente abilità del padre — ritorna oggi a noi quasi come l’eco del successo ottenuto a Parigi dal figlio.

Quanto segue offre una viva testimonianza di autorevoli estimatori e critici conquistati dalla qualità del lavoro di Tagliazucchi fin dal suo apparire.

Qui possiamo presentarne soltanto una scelta limitata; tuttavia i dipinti e le sculture esposti al Musée Villa Médicis, non lontano dalle rive della Senna dove ha cominciato a brillare la luce di tanti illustri artisti, consentono già di intravedere il futuro del nostro concittadino.

Accogliamolo come un figliol prodigo che, speriamo, ci mostrerà presto non soltanto gli acrilici che presenta oggi, ma anche il nostro marmo che, come scrive Chabanne, egli ha «accarezzato» durante il processo creativo.

Per noi quella carezza porterà anche la dolce malinconia della nostalgia.

Aldo FetontePrefazione a «Frammenti di viaggio» — 1986

Traduzione italiana di consultazione (non verificata come integrale)

L’opera di questo artista è piuttosto sconcertante. Come curriculum vitae si limita a: «cognome: Tagliazucchi; nome: Roberto; professione: scultore; studi: belle arti; nato… ancora vivo».

Eppure, vivissimo, dipinge quanto scolpisce e disegna quanto dipinge.

Benché sia nato a Carrara, il grande centro delle cave di marmo bianco da cui costruttori e scultori traggono materia fin dall’Antichità, Tagliazucchi, attratto fin dall’infanzia dal disegno e dalla pittura, si è interessato alla scultura soltanto da meno di un decennio.

È certamente un’opera sconcertante perché, mentre pittura e scultura sono entrambe completamente astratte, sembrano non avere alcuna parentela tra loro, né con i suoi disegni fortemente figurativi eseguiti in maniera molto classica.

Tre artisti dunque, molto diversi l’uno dall’altro, riuniti in una sola persona — e tre artisti compiuti, tra i quali è difficile sapere quale preferire.

Prima lo scultore. La sua opera ancora giovane può naturalmente ricordare alcuni grandi predecessori come Brancusi o Gilioli, ma al diavolo l’abitudine di confrontare sempre l’arte di oggi con quella del passato.

La scultura di Tagliazucchi, salvo rare eccezioni, è scolpita direttamente nel marmo di Carrara: puro, liscio, traslucido e luminoso, dagli angoli arrotondati, tenero e dolce, sensuale dopo una lunga, paziente e sottile lucidatura.

Nel suo estremo rigore suggerisce molto più di quanto imponga.

Un’eccezione è il suo Cristo in croce, bozzetto in bronzo del 1986 destinato a una nuova chiesa della regione parigina: commovente, sublime, ammirevole nella semplicità e nudità delle linee.

Finalmente una grande arte sacra moderna che, si spera, troverà il posto che le spetta a Notre-Dame de l’Arche d’Alliance, nel quartiere di Alleray.

Al di là della costruzione, della forma e della forza espressiva, nell’insieme della sua opera esiste una presenza spirituale che le conferisce un’unità che al primo sguardo non si sospetterebbe.

Pierre BrissetL’Œil — 1988

Testo originale francese — trascrizione dal documento fornito

Vi sono due modi diversi, ma ugualmente importanti, per accostarsi alle opere di un artista. Quello storico-biografico, lo delinea nel percorso culturale, sociale, ambientale ed, in senso più ampio indaga sulle sue relazioni con le correnti artistiche del suo tempo. L’altro concentra la propria riflessione, su l'oggetto d'arte, su quell’arte, la sua, che attraverso una serie d’invenzioni formali, porta a discutere sul significato universale d’arte. La contaminazione tra l'una e l’altra è difficilmente evitabile, cosi che, spesso, diventa abitudine ridurre l'opera agli elementi psicologici dell'artista. Si distoglie l'attenzione dall'opera che, invece, esiste per se stessa, travalica la storia e la vita dell'autore, il quale, dando forma ad un nucleo misterioso - sogno, archetipo - illusione di potenza - ha fatto il massimo in suo potere e, come strumento della sua opera, ha esaurito il suo estremo narcisismo. Se un punto di contatto esiste tra i due modi è da ricercarsi nel significato universale che l’oggetto, quando è arte, possiede; stabilisce quella rara “necessità” comunicativa, quel passaggio di senso che la rende riconoscibile, lo rende godibile agli altri, ai modelli culturali del momento storico in cui l’artista vive. Senso e significato, in ogni modo non cristallizzato, mai definito. Lo scultore Roberto Tagliazucchi nelle sue rare dichiarazioni d’estetica può citare Cubismo e Futurismo, scomposizione e simultaneità, può eleggere Brancusi totem della scultura contemporanea, può, ancora, ammirare l’essenzialità tematica di Moore, ma non riuscirà, compiutamente, per fortuna, a giustificare la sua totale mancanza d’omologazione con tendenze, modelli, autori, regole accademiche. La sua “scienza” speciale gli permette di dinamizzare spazi, assorbire e rimandare luce, uscire ed entrare liberamente dall’oggetto. L’opera non ha, così, una veduta preminente, ne ha tante e ciascuna è quella “giusta” nel momento in cui la si osserva. L’artista può ancora raccontare la sua poesia attraverso le metafore, i miti e le passioni che lo agitano: è un uomo di un tempo fragile, in lotta con la materia, in un tempo di fine secolo, non placato, dove, tra macerie reali, tenta di rendere visibile a se stesso ciò che fugge, tenta l’impresa visionaria del viaggio dal reale al possibile. Il suo “umanesimo” diventa figura la cui forma trattiene qualcosa della molteplicità di ciò che per convenzione si chiama storia, realtà, ambiente. Difficile per chi è già metamorfosi. Il bisogno di narrazione e di “letteratura” che chiediamo all’arte non riusciranno mai a farci possedere per intero il paradiso perduto o ritrovato di “SOGNANDO”, il vitalismo di “NATHALIE”, la rispondenza ancestrale del “JOUEUR DE FLUTE”, l’ostinata determinatezza di “DAVID” Però, forma e idea, le due anime indissolubili dell’arte hanno trovato la loro empatia. In questa mostra il cui “attraversamento” porta ad un’anima prevalentemente mediterranea, “l’archetipo della terra” e “l’archetipo del cielo” sono gli interpreti obbligati, l’uno con la sensualità, la fisicità, lo smembramento, la frantumazione, l’altro con il siderale, l’assoluto, il bisogno d’infinito. Tra di loro ci sta Eros, ci sta l’arte e la sapienza di Roberto Tagliazucchi che ha reso possibile la “bellezza” della contraddizione:

Gennaio’98 Giovanna Riu

Guardare davvero (per salvarle nella nostra memoria visiva) le modulazioni innumeri della scultura di Roberto Tagliazucchi significa comprendere anzitutto l'ansia intellettiva che ad esse presiede, la cultura dell'umano, le determinazioni costruttive più ardue e nel frattempo calibrate che governano la sua forte e significativa arditezza plastica. Ha ragione Stefano Lanzardo quando definisce, nel titolo della sua indagine fotografica, il viaggio all'interno dell'opera di Tagliazucchi una sorta di ricerca delle impronte di un'emozione. Certo, si tratta d'emozioni connaturate alla sua indubbia manualità plastica, in grado di renderci partecipi sempre, in modo diretto e tangibile, di valori da lui individuati nelle forme, scelte con pazienza e passione. Possiamo anche parlare di un'emozione dinamica, nel senso che il nostro artista non si arresta dinanzi ad alcuna difficoltà che può presentare la materia quando diventa oggetto di un'ideazione e poi inquilina pregiata dello spazio. Nel momento in cui ha sentito la necessità di riconciliarsi "con il mondo esteriore”, Tagliazucchi ha messo sul trono del suo estro creativo il concetto di "Armonia", come la concepiva Dionigi d'Alicarnasso, cioè sintesi mentale, e aggiungerei, coordinata in ogni istante con un sofferto quanto consapevole criterio tecnico. Cercare armonia per Tagliazucchi è recuperare una poetica delle proporzioni a "sua" misura, a misura cioè della sua sensibilità e del suo percepire individuale della "bellezza", di quella più vicina e ovviamente più difficile da eternare. La ragione prima dell'armonia per Tagliazucchi è ben leggibile nel disegno rapido (preparatorio ma subito autonomo dal possibile successivo esito plastico) quando presuppone una forte fedeltà all'intuizione; è ancor più leggibile nel percorso del suo scolpire quando entra nella sfera dominante della concertazione fra morbidezze e ricercate angolazioni. E' una "fatica" la sua - così non può non essere - accanitamente voluta e praticata, direi inevitabile in lui ed entusiasmante e quindi prefazione al progetto realizzativo. E poi Tagliazucchi mai intende aggredire o ferire la materia scelta per i suoi messaggi: è facile, infatti, secondo me, percepire l'amore con cui scolpisce proprio perché rende evidente, comprensibile, il suo programma di conquiste formali nobilmente e robustamente liriche. E qui dobbiamo intenderci, anche con il suo "aiuto estetico” ove parla di "noveau romantisme", sulla sua volontà nuova, accanita e permanente, di fermare ed esaltare le ritmiche forme tramite un radicato, ineludibile, "sentimento dello spazio". Quando decide di calarsi nella stanza segreta, nella privacy, del mezzo plastico, Tagliazucchi sa a priori che ne ricaverà - e ce li proporrà con legittimo e del tutto approvabile orgoglio d'artista - momenti inediti, storici, umani, estranei - proprio perché figli del sentimento dello spazio - a codici, ad abitudini dogmatiche, a normative bloccanti. Facciamo un esempio: quando ci si trova dinanzi al suo "Christ de Alleray" (1987) è inevitabile una suggestione nuova, proprio perché quell'immagine - così intensamente e variamente glorificata da migliaia di scultori e pittori di tutti i tempi - nasce da un umanesimo soggettivo, intenso davvero, direi anche da una religiosità laica ricca e coraggiosa. Non occorre, per Tagliazucchi, perdersi in descrizioni: meglio scegliere la strettoia (che in lui diventerà prateria) dell'essenzialità, attraverso cui si evitano le "circostanze" dettagliate e si colgono invece, di un evento poi così eccezionale come la Crocifissione, le drammaticità più profonde, fra grida soffocate ed esaltazioni imperscrutabili. Se poi guardiamo attentamente altre opere ("Dance", per esempio) ci possiamo rendere conto della capacità di Tagliazucchi di innovare nel campo infinito, minato, degli equilibri plastici: non più soltanto l'orizzontalità piatta o le verticalità assolute, ma anche la "lateralità", che è poesia dello slancio, cioè di uno slancio veemente ed elegante, figlio d'impulsi vigorosi e responsabili. Uno scultore vero, Tagliazucchi, che ha raggiunto, con la rara ma sempre più esigibile etica della responsabilità, la capacità di esplorare nella materia, nel mezzo plastico, là ove si annidano imprevedibili ma sostanziali momenti d'armonizzazione, ad esempio tra incavi e luminosítà, tra piani e ritmi, tra misura e spontaneità (si vedano opere come "Sognando", “Nathalie". "Canapé", "David"), con il beneplacito sacrosanto di "Madame Poésie" e di "Mademoiselle Imagination". Au revoir, et merci beaucoup, maître Tagliazucchi, scultore di razza, governatore di nuove figurazioni plastiche.

Ferruccio Battolini Febbraio 2001

Dalla separatezza della Shoah all’unità fra gli uomini. Unità ritrovabile attraverso una «cultura di pace» che tenda alla ricomposizione e all’armonia.

Questo è il senso di questo bozzetto per una scultura che vuole mostrare come la memoria — necessaria e doverosa — debba sottrarsi al mero racconto e sublimarsi nel coraggioso tentativo di liberarsi dall’egoismo insito nell’uomo, tendendo invece alla tolleranza dell’altro.

Prometeo, nell’apoteosi di colui che compie il sacrilego furto del fuoco per donarlo all’umanità, ma anche nel suo titanico incatenamento alla roccia del Caucaso, è un tema ricorrente nella scultura di Roberto Tagliazucchi.

Al di là del complesso semantico e simbolico incarnato da questa figura mitologica, umano e divino tendono reciprocamente a ricomporsi e compenetrarsi — finitezza e infinito, materia e spirito, distruzione e ricostruzione — in un destino comune di perpetua trasformazione volto al raggiungimento dell’armonia.

La scultura diventa la metafora privilegiata attraverso cui il mito di Prometeo può essere accolto e reso significativo.

L’artista, nel suo mito individuale, è colui che dà «luce» e «libera» le forme racchiuse — incatenate — nella materia, forme che l’intuizione ha già immaginato e colto.

Ma tutto questo resterebbe sogno, delirio e favola poetica se la qualità artistica e la padronanza non rendessero possibile una simile «rivelazione».

Il Prometeo di Roberto Tagliazucchi, aiutato dalla luce che definisce e dinamizza la forma e dall’intersezione di piani e linee di fuga spiraliformi che contribuiscono a caratterizzare lo spazio esterno, è una riuscita sintesi della tensione metafisica dell’umanità.

Giovanna RiuLa Varenne — 5 marzo 2005